Histoires de porcelaine
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Histoires de porcelaine
En 2024, le ROM a acquis deux œuvres d’art de Heidi McKenzie qui, ensemble, se veulent un dialogue critique sur l’histoire de la main-d’œuvre indienne sous contrat dans les Caraïbes. Elles abordent l’histoire des contrats sans reproduire les formes de violence des images coloniales à caractère ethnographique. L’intégration de l’histoire de la famille de McKenzie dans les œuvres constitue plutôt une intervention qui humanise les sujets représentés.
Après l’abolition de l’esclavage africain dans l’Empire britannique en 1833, d’autres formes de main-d’œuvre bon marché prédominent dans les plantations de denrées lucratives comme le coton et le sucre dans les différentes colonies britanniques. Un système contractuel est adopté selon lequel des personnes pauvres, marginalisées ou fragilisées d’une manière ou d’une autre, originaires d’une partie de l’Empire britannique, sont amenées dans une autre partie de l’Empire pour y travailler à faible salaire. Elles acceptent dans l’espoir d’une vie meilleure, mais le système, qualifié par certains de « nouvel esclavage », les contraint à de longues heures de dur labeur, à des abus et à des privations qui les endettent encore plus. Rares sont les travailleurs qui sont rentrés dans leur pays natal. La plupart d’entre eux ont fini par se faire à leur nouveau milieu.
Première vague (2021) fait référence au navire Fatel Razack ou Futtle Rozack, en provenance de Calcutta, qui a amené 225 travailleurs sous contrat à l’île de la Trinité. Les voiles en porcelaine fabriquées à la main portent les noms des passagers enregistrés sur le manifeste du navire, récemment publié par les Archives nationales de Trinité-et-Tobago, qui logent un registre complet des migrants indiens arrivés à Trinité entre 1845 et 1917. Certains noms laissent croire les arrière-arrière-grands-parents de la lignée maternelle du père de l’artiste aient été à bord de ce navire, mais des recherches plus approfondies sur l’histoire familiale sont nécessaires pour le confirmer. Le fait de nommer les travailleurs les rend visibles et leur donne une voix, commémorant ainsi leur présence.
Illuminated (2021) est un ensemble de trois boîtes lumineuses à LED en forme de lanternes avec des images de "coolie belles", tirées de cartes postales produites en masse, sur des carreaux de porcelaine faits à la main. Les femmes étaient minoritaires parmi les travailleurs sous contrat. Celles qui venaient fuyaient probablement une situation difficile chez elles, comme la prostitution, l'agression ou le veuvage. À leur arrivée, elles étaient mariées à un homme, la plupart d'entre elles effectuant les mêmes travaux pénibles que les hommes, ou se voyaient confier des tâches domestiques. Vers la fin du 19e siècle, des photographies de studio ont été prises de femmes indo-caribéennes vêtues de vêtements élaborés et de bijoux en argent. Ces photographies ont été produites par des photographes européens et largement diffusées sous forme de cartes postales pour l'industrie du tourisme. Les femmes figurant sur ces photographies ont été appelées "coolie belles" - combinaison de "coolie", mot péjoratif désignant un ouvrier de basse classe, et de "belles", désignant une belle femme. L'image de la "coolie belle" donnait l'impression que les Caraïbes étaient un endroit exotique et pittoresque, avec des habitants beaux, heureux et non menaçants. Les images de "coolie belle" sélectionnées par McKenzie proviennent de collections privées, publiques et en ligne. Dans ce mélange, McKenzie a inséré une photo de son arrière-arrière-grand-mère, Roonia, issue de la lignée paternelle de son père. Ce faisant, Mme McKenzie se réapproprie la "coolie belle" en l'éloignant d'un regard touristique exploiteur et en la replaçant dans les relations familiales dont les femmes faisaient partie en tant qu'individus.
Interview
Lors de sa récente visite au ROM, McKenzie et moi avons discuté de la manière dont ces deux œuvres d'art font un geste décolonial pour se réapproprier l'histoire en y insérant des photographies de famille et des liens personnels.
DD : Votre travail intègre les thèmes du genre, de l'ascendance et de la migration. Comment ces sujets influencent-ils First Wave et Illuminated ? HM : Si nous commençons par First Wave, il s'agit littéralement d'une représentation du tout premier bateau qui a accosté sur les côtes de Trinidad. Il est possible que les ancêtres maternels de mon père aient été sur le Fatel Razack, mais les noms ont été mal transcrits par les Britanniques. Ce que nous savons, c'est que mon arrière-arrière-grand-mère Roonia, la femme qui a navigué de Calcutta à la Guyane en 1864, s'est convertie à l'islam pour échapper à sa basse caste hindoue. Son fils, Jadoo, a quitté la Guyane pour Trinidad et s'est converti au christianisme. Il a alors changé son nom de Jadoo en James McKenzie.
La photo de mon arrière-arrière-grand-mère figure sur l'une des vitres de l'exposition Illuminated. Lorsque j'ai conçu cette série, je pense que le titre m'est venu à l'esprit avant que je ne réalise l'œuvre. Je voulais vraiment éclairer la vie de ces femmes. J'ai reçu une version numérique de la photographie de ma grand-mère il y a environ 12 ans par l'intermédiaire d'un cousin. C'est ce qui a déclenché tout un voyage pour moi. Le simple fait de regarder cette photo m'a vraiment enthousiasmée. Je veux dire, quels sont ces bracelets ? Quelles sont ces bagues ? Que porte-t-elle ? J'ai également été inspirée par le livre Coolie Woman de Gaiutra Bahadur. J'ai appris toutes sortes de choses en lisant ce livre, notamment que j'avais de fausses idées sur ces femmes. Je voulais montrer leur histoire. Je voulais leur donner la parole parce qu'on la leur avait enlevée.
leur avait été enlevée.
Je trouve émouvant que, dans ce groupe de femmes dont nous avons perdu le nom, vous ayez inséré votre arrière-arrière-grand-mère Roonia. Qu'est-ce qui vous a poussée à faire cela ? Vous savez, lorsque vous me posez cette question, je ressens un sentiment viscéral dans mes tripes. Je pense que, d'une part, c'était une démarche très intuitive. Mais en même temps, c'était aussi une décision très calculée. En plaçant Roonia sur cette lanterne, j'ai tout d'un coup cristallisé ma position au sein de la diaspora. Je peux envisager ces retombées comme des possibilités presque infinies de regarder, de positionner et de travailler au sein de la diaspora sud-asiatique, et de mon père, de moi-même, de mon grand-père et de ma grand-mère.
First Wave aborde également des thèmes similaires tels que la migration, la famille et l'histoire de l'esclavage. Pouvez-vous nous parler de votre processus de création ? La structure du bateau lui-même est le fruit d'un jeu avec du carton, de la création de gabarits et de la détermination de ce que je voulais. J'ai ensuite travaillé avec des plaques d'argile. Les voiles sont en porcelaine et portent le manifeste du Fatel Razack. Ce fut une grande affaire lorsque le gouvernement de Trinidad a décidé de rendre ce manifeste public - il n'avait jamais rendu publics les manifestes des navires auparavant. J'ai été très enthousiaste lorsque cela s'est produit. Les hublots sont faits d'images de pièces de monnaie britanniques et indiennes datant de l'année où le navire a pris la mer, en 1845. L'autre raison pour laquelle j'ai utilisé des pièces de monnaie est de souligner la marchandisation du travail humain et du commerce.
Les deux œuvres sont composées de différents types de matériaux céramiques. Qu'est-ce qui vous plaît dans le travail de la céramique ? Je commence à travailler sur le multimédia - en incorporant la vidéo, la réalité augmentée et la photographie d'archives - sur le mur et pas seulement sur la céramique. Mais la céramique m'a permis de comprendre qui j'étais en tant qu'artiste.
Je suis venue à l'art en tant qu'artiste mature. Mais j'ai toujours aimé l'art et j'ai commencé à travailler dans ce domaine. Aux alentours de mon 40e anniversaire, mes parents réduisaient leurs effectifs et ma mère, qui gardait tout, est venue chez nous et m'a remis un essai que j'avais écrit à l'âge de 10 ans. Il y avait trois pages de "ce que je veux faire quand je serai grande". J'avais écrit que je voulais être potier. J'avais même dessiné de petits diagrammes et expliqué pourquoi et ce que cela signifiait pour moi. Honnêtement, j'ai eu le déclic. C'est ce que je devais faire de ma vie. Et je l'ai vraiment fait. J'ai tout quitté et je l'ai fait.
Quels sont, selon vous, les principaux jalons de l'évolution de votre pratique artistique ? En 2017, je suis allée en Australie pendant trois mois parce que je voulais être mentor auprès de Mitsuo Shoji, dont le travail est très minimaliste. J'ai appris les techniques pour réaliser le type de travail que je voulais faire. J'ai simplement sorti quelques formes de mon âme et j'ai commencé à travailler avec elles. Je voulais créer quelque chose de presque primordial auquel les gens pourraient réagir à un niveau viscéral et qui aurait une certaine résonance avec la diversité des peuples qui vivent sur les terres aujourd'hui connues sous le nom de Canada.
J'ai été très touchée par la croyance de la terra nullius, selon laquelle il n'y avait personne ici à l'arrivée des Occidentaux. J'ai passé du temps avec les communautés indigènes de l'intérieur de l'Australie. Les autochtones d'Hermannsburg, du groupe linguistique Western Arrernte, peignaient leurs histoires sur des pots jetés ou pincés, ce qui a en partie influencé mon désir de raconter mes histoires et celles de ma famille.
J'ai commencé à travailler avec la photographie sur l'argile en 2014. J'ai commencé à photographier mon propre corps ou à demander à quelqu'un de photographier mon corps et à l'appliquer sur de l'argile. Peu de temps après, je savais que la vie de mon père était courte, alors j'ai commencé à le documenter, lui, son corps, sa vie et ses histoires. Puis le Canada a fêté ses 150 ans et je me suis demandé quelle était ma place dans le paysage canadien.
J'ai grandi sur la côte Est et je n'avais pas beaucoup de gens autour de moi qui me ressemblaient. Une histoire s'est transformée en une autre histoire, puis en une autre, jusqu'à ce que j'en vienne à vouloir raconter l'histoire d'autres peuples indo-caribéens. C'est ainsi que les choses ont fait boule de neige.
Heidi McKenzie (née en 1968) est d'origine indo-trinidadienne et irlando-américaine et a grandi à Fredericton, au Nouveau-Brunswick. Elle a quitté une carrière réussie dans l'industrie de la radiodiffusion pour se consacrer à plein temps à la céramique et a fait son apprentissage auprès de potiers renommés en Inde et en Australie. Les œuvres de Mme McKenzie ont été exposées en Indonésie, en Australie, en Irlande, au Danemark, en Hongrie, aux États-Unis et au Canada. Ses œuvres seront exposées au Workers Arts and Heritage Centre de Hamilton et à la Gallery 1C03 de Winnipeg en février 2025.
Deepali Dewan est conservateur Dan Mishra pour l'Asie du Sud mondiale au ROM.
I find it moving that
I find it moving that, within this grouping of women whose names we’ve lost, you’ve inserted your great-great-grandmother Roonia. What was the inspiration to do that?
You know, when you ask me that question, I feel a visceral feeling in my gut. I think, on the one hand, it was a very intuitive move. But at the same time, it was also a very calculated move. Placing Roonia on this lantern, all of a sudden, kind of crystallized for me my position within the diaspora. I can envision this spinout as almost infinite possibilities of looking at, positioning, and working within the South Asian diaspora, and my father, myself, my grandfather, my grandmother.
First Wave also weaves in similar themes of migration, family, and the history of indenture. Can you talk about your process in making it?
The structure of the boat itself is made from literally playing with cardboard and making templates and figuring out what I wanted. This was followed by slabs of clay. The sails are porcelain and have the manifest of the Fatel Razack. It was a big deal when the government of Trinidad decided to release that manifest to the public—they had never released any of the ships’ manifests before. I was really excited when that happened. The portholes are made with images of British and Indian coins from the year the ship sailed—in 1845. The other reason that I used coins is to underscore the commodification of human labour and trade.
Both works are made up of different kinds of ceramic material. What do you like about working with ceramic?
I am starting to work in multimedia—incorporating video and augmented reality and archival photography—on the wall and not just on ceramics. But ceramics was really my first understanding of who I was as an artist.
I came to art as a mature artist. But I’ve always loved art, and I had started working in the arts. Around my 40th birthday, my parents were downsizing, and my mother, who kept everything, came to our house and handed me an essay that I had written when I was 10 years old. There were three pages of “what I want to do when I grow up.” I had written that I wanted to be a potter. I had even drawn little diagrams and written about why and what it meant to me. Honestly, it was a shazam moment. This is what I was meant to do with my life. And I really just did it. I quit everything and I did it.
What would you say
What would you say are some of the major milestones in the evolution of your artistic practice?
In 2017, I went to Australia for three months because I wanted to mentor with Mitsuo Shoji, whose work is very minimalist. I learned the techniques of how to do the kind of work that I wanted to do. I just sort of pulled some forms out of … I guess my soul and started working with them. I wanted to create something almost primordial that people could respond to on a visceral level, that had some resonance with the diversity of people that live in the lands now known as Canada.
I was really impacted by the terra nullius belief that there were no people here when the Westerners arrived. I spent some time with the Indigenous communities in the interior of Australia. The Indigenous people of Hermannsburg, from the Western Arrernte language group, were painting their stories onto thrown or pinched pots, which partly affected my desire to tell my stories and my family’s own stories.
I started working with photography on clay in 2014. I began photographing my own body or having somebody photograph my body and putting it onto clay. Shortly thereafter, I knew my father’s life was short, so I started documenting him and his body and his life and his stories. And then, when Canada turned 150, I asked myself, where do I fit within the Canadian landscape?
I grew up on the East Coast, and I didn’t have many people around me who looked like me. One story grew into another story and then into another, until I came to the point where I wanted to tell the stories of other Indo-Caribbean peoples. That’s how it kind of snowballed.
Heidi McKenzie (b. 1968) is of Indo-Trinidadian and Irish American heritage and grew up in Fredericton, New Brunswick. She left a successful career in the broadcast industry to pursue ceramics full-time and apprenticed herself to renowned potters in India and Australia. McKenzie’s work has been exhibited in Indonesia, Australia, Ireland, Denmark, Hungary, the U.S., and Canada. Her art can next be seen on display at Workers Arts and Heritage Centre of Hamilton and Gallery 1C03 in Winnipeg in February 2025.
Deepali Dewan is Dan Mishra Curator of Global South Asia at ROM.
